jueves, 3 de junio de 2010

FERNANDO BOTERO





Botero nació en Medellin hacia el 1931. Es considerado un icono universal del arte, y su obra la conocen tanto niños como adultos en todas partes del mundo.
Sus comienzo fueron por su tío, que lo apuntó a una escuela de arte. Cuando sus padres se dieron cuenta que su verdadera vocación era pintar, lo llevaron a que hiciese su primera exposición en 1948. Tras hacer varias exposiciones, fue expulsado del lugar donde estudiaba, porque consideraban sus dibujos como obscenos.

En 1966 creó su primera exposición en Europa. Tuvo muy buenas críticas y empezó una gira por toda europa, EEUU y Colombia. Pero fue en París donde alcanzó la máxima fama.

Botero no solo se dedicaba a la pintura, sino que también hacía esculturas. Hacia 1970 fue considerado uno de los mejores escultores del momento. Desde ese año hasta su muerte, Botero no paró de hacer exposiciones por diversas partes del mundo, razón por la que todos conocen su obra. Aquí dejo los dos cuadros que más me han gustado de él.


EL RAPTO DE EUROPA



MONA LISA A LOS 12 AÑOS

Me ha encantado. Es una visión muy simpática de la Mona Lisa.

TOM WESSELMANN


Wesselmann fue un pintor de Pop Art estadounidense. Hasta la fecha de su muerte fue uno de los maestros del pop-art americano, y era conocido sobre todo por sus pinturas sobre desnudos femeninos.
Nació en Ochio, en 1931, y en 1951 se matriculó en psicología, pero al año siguiente lo llamaron para la guerra. Creó tiras de cómics sobre la vida militar, pero pronto empezó a dibujar sobre otros temas. Después de volver a su carrera de psicología y licenciarse, se dedicó a la pintura. Empezó en el expresionismo abstracto, pero más tarde se dejó influir por Van Gogh, Modgliani, etc y pintó algunos paisajes.
En 1961 hizo su primera muestra individual. Ese mismo año estrenó una exposición de desnudos femeninos. Los primeros eran collages en formato reducido, pero pronto los realizó en óleo, y en algunos de ellos incorporó objetos reales.
Posteriormente se dedicó a hacer campaña de objetos de la vida cotidiana: electrodomesticos, halados, cubiertos... etc.
Aquí dejo dos cuadros de él, que son lo sque más se ajustan a lo que he escrito. El primero es una escena cotiniada, con un electrodoméstico (frgorífico), comida sobre la mesa, etc y el segundo es un desnudo femenino, llamado Desnudo nº 1, y se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

domingo, 16 de mayo de 2010

ANDY WARHOL



Warhol fue el "padre" del Pop art. Tuvo un papel crucial en el nacimiento y desarrollo de este tipo de arte. Tras una carrera llena de éxitos como ilustrador profesional , ganó un gran prestigio por su trabajo en pintura, cine y literatura. A los criticos y demas personas les gustaba por su gran modernidad.

Es una persona muy admirada, pues siempre trabajó en su carrera con todo tipo de personas (drogadictos, homosexuales, bohemios, modelos, etc). Aunque no siempre Warhol obtuvo el apoyo de la gente. Sus obras a veces eran consideradas como pretenciosas, y su personalidad fue tachada de difícil. Pero gracias a esa personalidad y al tipo de obras que dibujaba, hoy en dia se le ve como el pintor mas influyente del siglo XX.
Me ha llamado mucho la atencion de este pintor que no solo pinto sobre papel o lienzos, sino sobre otros materiales impresionantes. En el cuadro de abajo podemos ver un coche decorado por él. (BMV M1)
Gracias a la decoración de este coche nació el car art. (arte coche). Esto sucedió en los años 70. En los años 80 firmó algunos contratos para exposiciones, pero lo que más llama la atención de ésta época fue que dibujó la carátula el cantante miguel Bosé, para uno de sus discos (con este tema hubo mucha política en cuanto al dinero que recibió).
Me ha gustado mucho Warhol porque es un personaje muy influyente, con multitud de cuadros llenos de colorido. Además, segun he leído en su biografía, fue una persona muy intrigante, muy interesante. Este cuadro me ha gustado mucho, ya que hoy en dia vas a cualquier casa y lo tienen hecho con sus caras.





MEL RAMOS



Mel es un pintor californiano nacido en 1935. Es integrante del arte Pop americano. Se enfrenta a los pintores Warhol, Lichtenstein, etc, que forman el grupo de Nueva York. Mel trabaja en California, lo que infuye en su estilo. Tiene mucha sensibilidad.
Sus inicios fueron en el expresionismo abstracto, pero pronto se cambió al arte que hoy en dia aún desempeña. Con 25 años, (en 1960) empezó a dibujar viñetas (cómics), representando a sus héroes de la infancia. En 1964 hizo su primera exposición, en Nueva York.
Desde mediados de los 60 se dedica a dibujar desnudos femeninos combinados con productos que en ese tiempo se vendían mucho. Las mujeres que dibujaba siempre eran el ideal perfecto, sin un fallo en todo el cuerpo.
Actualmente, Mel Ramos es uno de los pocos representantess del arte Pop americano.
Tiene un museo en el que expone todas sus obras. Aqui dejo y comento algunas:


En este cuadro vemos a una flamante mujer rubia en un vaso de coca cola. Me ha gustao el cuadro por la bebida que representa y por ser un poco fantástico ( al estar una mujer metida en un vaso). Como dije antes, el cuerpo de la mujer es "perfecto", segun el ideal de esa época. También es una imagen muy sugerente y un tanto erótica.



En este otro cuadro, tenemos a una mujer que parece venir de la playa (por el moreno y las marcas de bikini), y esta sentada sobre un paquete de tabaco. Vuelve a ser sugerente, y tambien un tanto fantástica por el concepto del tamaño.



ANTONIO SAURA (1930-1998)




Antonio Saura es considerado uno de los mejores artistas del siglo XX. Crecio durante la Guerra Civil Española. No obtuvo nunca formación alguna, por lo que hizo su carrera en el mundo artistico como un autodidacta.

En 1954 se trasladó a Paris, donde se hizo partidario del movimiento del Surrealismo, aunque no estuvo mucho tiempo dedicándose a este estilo. Varios años despues de llegar a París abandona la abstracción. Después de casarse , empieza a pintar obras en blanco y negro, inspirándose en la estructura del cuerpo femenino.


Cuando regresa a España, en 1058, pinta sus primeros retratos imaginarios, de los cuales salen series como "Sudarios", "Retrato", "Retratos imaginarios", "Desnudos", "Desnudos-Paisaje", "Curas" , "El Perro de Goya", etc. Este cuadro es un ejemplo de la última seria citada. En ella, (si nos fijamos bien y le ponemos imaginación), vemos la cara de un perro , que hasta parece que esta sonriendo.



Pero Antonio Saura no siempre se dedicó a la pintura. Sus inicios fueron como escritor, y tiene muchos escritos, sobre todo expuestos en periódicos, y en algunos libros.

Saura ganó varios premios importantes, en España y en Francia. (Premio Aragón a las artes, Gran premio de la ciudad de París..) , e incluso una univerdidad de Cuenca, en la que se enseña bellas artes.

Se le recuerda por la gran expresión de sus cuadros y por el coraje que siempre llevaban plasmados sus escritos.

viernes, 19 de marzo de 2010

AUGUST MACKE

Fue un pintor expresionista. Vivió durante un período muy innovador del arte alemán, pues se estaba desarrollando el expresionismo y a la vez no paraban de llegar numerosos estilos de otros paises europeos. Macke supo integrar sus cuadros de acuerdo con todos esos estilos.
Nació en Alemania, en una familia no muy rica de dinero. A los 16 años se cruza por la calle con la que fue la mujer de su vida. La retrató. Esa fue la primera pintura de su vida.
Su padre siempre se opuso a que estudiase arte, pero el padre de un amigo le hizo sus useños realidad. Tuvo una oferta de trabajo un poco distinta a lo que él quería: Estuvo trabajando en el teatro durante un tiempo, dinujando vestido y escenografia, pero no tardo mucho en dejarlo, pues el realmente queria dedicarse a la pintura en si. Después de dejar el trabajo en el teatro, fue conocienco mundo. Viajó a Florencia, a Inglaterra, Holanda.. entre otros. Nunca tuvo un estilo fijo hasta conocer a Delaunay, del que sacó el cubismo. De este estilo (y en particular de etse pintor) era su juego de colores y si casi imposibilidad de armonía. Despues de saber que su estilo seria el cubismo, tuvo una época de éxito. Murió en la Primera Guerra Mundial, en septiembre de 1914.

Muchachas bajo los árboles



Este cuadro me gustó mucho cuando lo vi. En todas las biografías que he leido de él hablan de este cuadro, y es normal. Tiene un uso muy bueno del color, puesto que hay muchos colores en él. También me llama la atención porque son muchas mujeres, cada una "a su bola". Le da naturalidad y alegría. Interpreto que esas mujeres están hablando de sus cosas, entretenidas, y disfrutando del día soleado.

domingo, 14 de marzo de 2010

SALVADOR DALÍ

Fue uno de los mayores pintores del surrealismo. Nació en España, muy cerca de la frontera con Francia. A Dalí le pusieron el nombre de un hermano suyo que habia muerto 9 meses antes de él nacer. Esto le trajo muchos problemas durante su vida. Problemas psicológicos, al creer que era una copia de su hermano fallecido.


Dalí es conocido por sus imágenes surrealistas. Siempre se interesó mucho por el arte renacentista, aunque tambien fue un gran dibujista. Tenía un estilo muy personal. Todos los que entienden un poco de arte o pintura, saben que ese estilo es de él.


Era un artista muy creativo, y mostró tendecia por el narcisismo y la megalomania ( estado caracterizado por una obsesión compulsiva por tener el control de todo ), siempre con el objeto de atraer la atención de la gente. Este compotamiento le hacía irritable a quien admiraba su pintura, aunque su obra era tan buena que seguían apoyándole.





Dalí pintó más de 1.500 obras, sin contar muchisimas ilustraciones para libros, artículos de periódico, esculturas, etc. También creó una novela. Aunque trabajó con diversos estilos a lo largo de su vida, siempre se definió como surrealista.





Ahora voy a comentar la obra que mas me ha gustado de el.





LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA


Es un cuadro que me ha parecido muy raro. Se ven varios relojes doblados, como si estuviesen derretidos. De ahi supongo que viene su otro nombre, "Los relojes blandos". No usa muchos colores, pero si juega con los tonos de los colores que utiliza. Me ha gustado porque el agua del fondo es clara, y el cielo parece que es un amanecer, y luego juega con el contraste de la tierra oscura, y los relojes vuelven a ser claros.

miércoles, 10 de marzo de 2010

RENÉ MAGRITTE

René Magritte fue un pintor surrealista de Bélgica. Era y Es conocido por sus provocativas y "rayantes" imágenes, cosa por la que lo elegí, por su gusto al pintar. Lo que pretendía con esto era salirse de la realidad. Queria ser hipersensitivo ( persona que es capaz de reconocer emisiones estrasensoriales, conociendo las emisiones extrasensoriales como sucesos que no pueden ser observados con ninguno de los cinco sentidos).
De la infancia de Magritte se sabe poco. Lo que más destaca es que cuando tenia 13 años, su madre se suicidó en le rio (lo habia intentado más de una vez) y que él estuvo presente cuando encontraron el cadáver, y que la imagen de su madre (estremecedora) flotando en el agua le llevó a realizar algunos cuadros más tarde.
Estudió dibujo en Bruselas, y tras salir del servicio militar, trabajó como diseñador en una fábrica de papel. Entre 1920, 1924 Se ve mucha influencia de estilos como el cubismo, el orfismo, el futurismo y el purismo.
Me han encantado casi todas sus obras. Algunas las he visto demasiado obscenas, pero otras son fantasticas.

AMANTES
Esta obra me ha encantado. Por la intriga que muestra. Se ven dos personas besándose, y no se sabe quienes son, que caras tienen. Eso a mi me llama mucho la atención. Además, si te fijas bien, el entorno de los personaje también es misterioso. Se ve que hay techo y pared, pero el tabique del fondo no existe,, (al menos yo lo interpreto asi). Parece el cielo.



Lo que Magritte intenta durante toda su vida es explorar la concepción del espacio real frente a la ilusión óptica, lo que le llevó a hacer cuadros muy llamativos, como estos dos:





*No he encontrado los nombres de estas dos últimas obras en ninguna página.

lunes, 8 de marzo de 2010

PAUL KLEE



Klee nació en Suiza, en una familia de músicos. Su padre era alemán, y además se les "prohibió" vivir en suiza en el período Nazi, por lo que vivió toda su vida en Alemania. Alli estudió arte (en Munich). Klee trabaja sobre óleo, acuarela, tinta y otros materiales, y casi siempre los combina en un solo trabajo. Sus cuadros suelen representar a la poesía, a la música y a los sueños, y a veces hay notas musicales dibujadas, o palabras.
Klee siempre se sintió muy unido a los pintores Knadinski y Marc, por lo que participó en varias exposiciones con ellos. Todos los pintores que se reunían en esa época tenian un interés por la pintura gótica, y por los movimientos modernos del Flauvismo y el Cubismo.
Se caracteriza por tener mucho uso del color. Durante su vida artística, tuvo muchos tipos de usos del color, y fue evolucionando. Se habla de evolución porque al principio de su carrera, apenas utilizaba el color, debido a que pensaba que eran "decoloraciones", pero poco a poco fue cambiando de idea, terminando manejando el color con mucha pasión , y enseñando "uso del color" en una academia.
Aqui dejo dos obras de él. Una en la que apenas usa los colores, y otra en la que hay colores y notas musicales. ( Para representar un poco lo que he hablado).


THE ARTIST IN THE WINDOW
En este cuadro se aprecian pocos colores.




Castle with setting sun
sin embargo en este, vemos mucho uso de distintos colores. Este cuadro es fantástico.

sábado, 27 de febrero de 2010

FRANZ MARC



Marc fue un pintor alemán muy característico del movimiento expresionista de allí. Estudió en la academia de Bellas Artes de Munich. Al principio, se interesaba mucho por paisajes naturales, pero cuando llegó a París se acercó cada vez más al cubismo y al futurismo. Se vio influido por varios pintores. El primero que más le llamó la atención fue Van Gogh, y el uso del color le venia inspirado de Robert Delaunay.
Su obra fue evolucionando hasta convertirse en abstracción expresiva. La parte más conocida de sus obras son los retratos de animales. El tema es la fuerza de la naturaleza. Marc quiere representar la visión del animal que retrataba, y lo hace utilizando un color para cada cosa o sentimiento que pinta.
Entonces, podemos decir que tuvo dos períodos en su vida artistica. Una en la que pintaba los animales como he dicho, y otra en la que el cubismo lo influyó de manera fuerte, llevándolo a representar sus cuadros mediante fragmentaciones. Aquí dejo un cuadro característico de cada parte de su obra.

VACA AMARILLA




TIGRE

martes, 16 de febrero de 2010

CLAUDE MONET

Claude Monet es mi pintor favorito del impresionismo. Hasta este verano sólo conocía algunos de sus cuadros, y que tenía un jardín enorme y privado delante de su casa, pero he tenido la oportunidad de estar alli y desde entonces reconozco que es un buen artista, y con un buen talento.
Monet empezó a recibir clases desde pequeño. Pero no era el arte en si lo que más le gustaba, sino las caricaturas. Cuando Claude tenía 17 años, falleció su madre, que era interesada en la pintura (tená talento) y él empezó a entablar más relación con una tia suya, que también estaba interesada por la pintura. Ese mismo año, abandonó sus estudios para dedicarse a la pintura. Su tía le ayudó en muchísimas ocasiones. Quizás Monet le deba su carrera como artista a ella.
A pesar de las ayudas constantes de su tía, Monet tubo una vida difícil. Económicamente sobre todo. Una vez incluso llegó a intentar suicidarse. Fue una de las figuras más impotantes del expresionismo, también recordado por su empeño en retratar los efectos de la luz a distintas horas del dia. Aquí dejo unos cuadros que me parecen fantásticos de él.
LAS AMAPOLAS
Este cuadro me llamó mucho la atención. Es muy fresco. Todo el cuadro está hecho a base de manchas, no hay ninguna forma definida o pintada con mucha precisión. Además le ha quedado un día muy claro y eso me da alegría... Aunque no se si el cuadro quiere expresar ese sentimiento, porque son personas que se están yendo, y en el fondo se ven otra mujer y otro niño, aparte de un hombre (o al menos eso parece) . En ese aspecto el cuadro me deja un poco confusa, pero me gusta igualmente.


EL PUENTE JAPONÉS
Este cuadro lo pintó en su jardín japonés (privado). Y se ajusta perfectamente a la realidad. Todo es como el lo pinta, pero alli, en el jardin, es más impresionante. Nuevamente el cuadro está hecho a base de manchas, aunque aquí no vemos pinceladas hacia los lados como Morisot o Van Gogh, sino algo más fino. Y también juega con la luz. Eso le da mucho realismo al cuadro. Se puede admirar como la luz se refleja en los árboles de arriba del puente, y en el lago. Me encanta esta imagen.

lunes, 15 de febrero de 2010

MORISOT


Berthe Morisot fue una pintora francesa impresionista. Aunque pueda parecer chocante, fueron sus padres los que la animaron a ella y a su hermana a iniciarse en el arte. pero, Al igual que otras mujeres, Morisot fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su afición a no pintar solo paisajes, sino también escenas cotidianas, niños, etc, y esque no tenía que ser fácil pintar otra cosa, ya que como todas las mujeres burguesas estaba acostumbrada a vivir escenas cotidianas, pues el mundo masculinos les estaba vetado. La técnica que desarrolla Morisot se basa en un tratamiento de pinceladas suaves desde un principio hasta que evolucione a un impresionismo más expresado en la pincelada. A pesar de que su figura quedó muy ensombrecida tras la muerte de su marido ( el hermano pequeño de Manet) y otras muertes consecutivas, hoy sus cuadros se venden por más de 4 millones de dólares. Aquí dejo las tres que me han parecido más bonitas.

UN DIA DE VERANO
En este cuadro vemos el estilo del impresionismo muy claro. Todo el cuadro está hecho a base de manchas, pinceladas hacia un lado y a otro, creando así el paisaje. Cuando lo ví, en lo primero que me fijé fue en las dos manchas que hay en el agua, a la derecha de la chica de blanco, y me parecieron dos patos. Es impresionante como de una mancha así podemos sacar la forma de lo que es, o de lo que nos parece ser.



LA CUNA
Este cuadro me gustó porque fue verlo y sentir ternura. Hacia el niño (o niña), y hacia la madre, que tiene cara de cansada, y parece que más pendiente de su bebé esta pensando en sus cosas, pero aún así sigue cerca de su hijo. Además, el cuadro, sin tener demasiado detalle, es expresivo. También me llamó la atención como ha conseguido la transparencia del velo jugando con varios colores, pero a la vez parece que está ahí de verdad, es decir,lo ha hecho muy real. Eso me gusta.



Dans les jardins de Maurecourt
De este cuadro sólo he encontrado el título en francés. Lo vi en google, y después de mucha búsqueda, creo que éste es su título. Significa algo así como: " En el jardín de Maurecourt". Me ha encantado por el tono verde que utiliza. Y porque se ve muy claro que todo son manchas, incluso ellas son puras pinceladas hacia lados contrarios (puede que en las caras se esforzase un poco más).

Toulouse-Lautrec


Toulouse fue un pintor destacado por su afición a pintar cuadros en escenas de noche. Se clasifica en el postimpresionismo. Nació en una familia noble, con muchas comodidades. Toulouse-Lautrec padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos. Su constitución ósea era débil y sufrió dos fracturas en ambas piernas, que le impidieron crecer más, alcanzando una altura de 1,52 m. Toulouse decidió ser pintor. La fascinación que sentía por los locales de diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos seguidamente y hacerse cliente habitual de algunos de ellos. Todo lo relacionado con este mundo formó uno de los temas principales de su obra (prostitución, drogas, etc). Al contrario que los impresionistas, Toulouse eligió lugares cerrados.
Algo que me ha parecido muy interesante de la vida de este hombre es que los dueños de los burdeles le pedían que dibujara carteles para promocionar los bailes y los espectáculos, ya que por las noches se dedicaba a pintar todo lo que veía. A este pintor se le reconoce por su estilo fotográfico, y su facilidad y soltura para dibujar "movimientos" en sus cuadros. En 1922, 21 años después de su muerte, su madre abrio un museo con todos sus cuadros.
Aquí dejo dos cuadros que me han llamado mucho la atención, porque expresan muho con solo dos o tres colores en cada uno, cosa que me ha gustado mucho de ellos.

YVETTE-GUILBERT



información sacada de wikipedia

MANET




Manet fue un gran pintor francés, destacado por ser uno de los iniciadores del impresionismo. Nació en París, en una familia adinerada. Siempre se vió influido por su familia a la hora de elegir un futuro. Su padre quería que fuese abogado, no lo consiguió, y después el mismo intentó ingresar en la academia naval de Francia, también sin éxito. Entonces empezó a dedicarse al arte. Durate más de seis años se dedicó a copiar cuadros del Louvre de pintores como Goya, Delacroix, Courbet y Daumier. Pero su maestro le decia que nunca llegaría a nada, cosa que a él, en vez de desanimarle, le llevó a hacer un análisis de su propia historia en la pintura, y ahi comenzó su viaje por el mundo, en el quefue copiando a distintos maestros.
Manet era un pintor contradictorio. Siempre buscó la fama y la fortuna, y aunque tenia cuadros bastante interesantes, tuvo que llegar el fin de su vida hasta que le reconocieran como un buen pintor. Es considerado el padre del impresionismo. Tiene muchas obras conocidas, algunas consideradas escandalosas y rechazadas por la sociedad del momento. Estas son las dos que más me han gustado:

EL DESAYUNO SOBRE LA HIERBA
Hasta el mismo Manet consideró que esteera su cuadro más escandalizante. En él podemos ver a dos prostitutas desnuedas, y a dos hombres, (sus acompañantes). Tal vez no solo fuese escandalizante por ser dos mujeres desnudas y prostitutas, sino porque los cuerpos no son perfectos, como normalmente se dibujaban. Según mi punto de vista, el cuadro puede llegar a ser también escandaloso por la frescura e indiferencia de las mujeres.



EL BAR DE FOLIES BERGERE
Éste cuadro (como se puede ver), no es escandalizante, pero llama la atención. Al menos, a mi me la llamó. Me gustó porque la mirada de ella está perdida, no tiene expresión en la cara. Quizás un poco de nostalgia o melancolía, pero eso cada uno lo puede interpretar de una forma distinta. Tiene una parte clara de impresionismo en el fondo, porque las personas que hay son manchas.

jueves, 11 de febrero de 2010

RENOIR



Pierre Auguste Renoir fue un pintor francés muy conocido. No se sabe muy bien a que estilo pertenece, pues estuvo en escuelas impresionistas, (que era el estilo de la época), pero se quitó porque lo que a el le gustaba era pintar mujeres en paisajes,
Renoir mostraba otra parte del impresionismo, una parte más “bella”; más fina. Siempre ha mostrado en sus cuadros la alegría de vivir aún cuando los retratados son trabajadores.

Tras una clase de historia, en la que vimos algunos cuadros de él, estos son los dos que más me han gustado.




EL ALMUERZO DE LOS REMEROS

Este cuadro me gustó por la alegria de los personajes. Creo que tras una jornada de trabajo, por fin están descansando, y es reconfortante ver como comen y hablan. Es un cuadro que refleja la parte de Renoir en la que retrataba hasta a los trabajadores de forma alegre, y por otro lado, aunque pueda parecer que no pertenece al impresionismo por el detalle de las caras, las sombras que crea el toldo que tapa a los remeros está formada a baase de manchas, cosa que hacianlos pintores impresionistas.









LA MUJER DEL PARAGUAS

Cuando el profesor la puso en el proyector, me fijé en ella por la cara de la niña pequeña. Renoir dibujaba muchos niños, y esta, segun mi punto de vista, es preciosa. La mujer que esta en primer plano tambien es muy guapa, las formas de las caras son muy dulces, el único problema que le veo es que en este caso no tienen alegría. Como representación del impresionismo, exceptuando los personajes que están en primera línea, los demás son solo manchas.


martes, 2 de febrero de 2010

CONSTABLE







Este pintor es reconocido por sus paisajes. Al contrario de el resto de pintores que he trabajado, Constable fue Autodidacto, es decir, no acudió a ningunas clases ni a ninguna universidad de bellas artes. Rechazó varias ofertas de trabajo en su vida porque decidió ser paisajista, aunque al inicio de su carrera pintó algunos cuadros con temas religiosos, en 1820 empezó con lo que de verdad le gustaba.


Los paisajes que pintaba eran recuerdos de su niñes, ya que se crió en el campo, trabajando junto a su padre. Constable no busca la perfeccion del paisaje, sino que los cuadros que pinta produzcan emociones a las personas que los vean. Estos setimientos se notan en el pintor, que durante los momentos mas dificiles de su vida, pintó cuadros llenos de añoranza, de sentimientos de necesidad ante los paisajes de su niñez.



Aquí dejo dos ejemplos de cuadros que retratan muuy bien la descripción que he dado de él.




EL CARRO DE HENO





INGRES



Ingres tuvo tanta indluencia en la pintura francesa, que tenía hasta su propio estilo. el nombre del estilo fue Ingrismo. Tenía su propio estilo por no ser ni Neoclasico ni Académico (ni ningún otro), si no defensor del dibujo. Más bien se aju8staba a las caracte´risticas del romanticismo, por sus trazos, sus ideologñias, etc.


Ingres llegó a saer un gran pintor gracias a su padre, que supo reonocerlo desde que era pequeño. Lo inscribió en varias academias, y más tarde el solo empezó a interesarse en la pintura. Permanece 18 años en Roma, donde se dedica en casi todo su tiempo a retratar a mujeres desnudas.


En 1841 regresa a París donde obtiene una acogida triunfal y se le encarga la decoración de las vidrieras de la Capilla de Notre Dame.


La obra de Ingres se divide en tres bloques:


1. La pintura histórica.


2.Los retratos


3. El desnudo femenino.


De éste último génmero, destacan dos cuadros:




LA GRAN BAÑISTA


Es un cuadro que ya había visto antes, en el museo del Louvre. Me llamó la atención entonces, y ahora también. Me gusta porque es un cuadro en el que retrata a una mujer desnuda, pero es muy discreto a la vez. No enseña nada que pueda ser "comprometido", y en ella me da la sensación de ver vergüenza. También me gusta por ser un cuadro que no tiene oscuridad, pero a la vez no tiene tonos muy llamativos.


LA GRAN ODALISCA

Este cuadro también lo vi antes, en el mismo lugar. Me acuerdo de él por la forma del cuerpo de la mujer. Me costó un poco comprender la forma en la que está tendida, y me pareció interesante la postura de sus pies y la largura de su espalda. ( Ahora se que esta pintada con tres vertebras mas de la cuenta)
Me gusta la confianza que parece tener la mujer, la elegancia... Veo el abanico, las sábanas finas, todo lo que me hace pensar que era una mujer con dinero. Este cuadro tiene colores mas llamativos, como por ejemplo el verde, que hace contraste con el cuerpo de ella.

Caspar David Friedrich







Friedrich fue un representante de la pintura romántica alemana. Es un pintor peculiar. Se inspiraba principalmente en el tema muerte, por varias muertes que lo dejaron marcado. Recibió clases de pintura de algunos profesores, e incluso llegó a estudiar en la universidad de Bellas Artes de Copenhage.

Después de un intento de suicido, estuvo varios años pintando paisajes e imagenes que retrató una y otra vez. Su primer éxito fue en 1805, gracias al cual recibió un premio, pero no fue el único. Durante toda su vida tuvo muchos reconocimientos y mucho apoyo.


LA MUJER ASOMADA A LA VENTANA


Esta pintura me llamó mucho la atención. Me pareció rara, y me produjo sensacion e nostalgia al verla. Supong que por eso es una pintura que se conoce, porque es algo que transmite algun sentimiento ( a cada persona le transmitirá alguno). Friedrich pintó el cuadro en la quizás fuese la mejor época de su vida. La mujer que posa es su propia mujer. Aparte de retratarla a ella, tambien pintó a sus hijos, y a otros familiares. No he encopntrado mucho sobre el estilo de Friedrich, pero por el cuadro veo que utilizaba imágenes en las que no retrataba caras, más bien paisajes y cuarpos, algunas veces en las sombras. En este cuadro que dejo aqui, vemos un paisaje típico de los que él dibujaba. Se puede ver un cementerio (está claramente relacionado con la muerte) y a la vez es un paisaje oscuro, son árboles sin ramas, y muy frío.